De beste skrekkfilmene fra 1900-1950-tallet: Silent Films, Universal Monsters og Taboo Terrors

Hvilken Film Å Se?
 
Bli kjent med røttene til filmskrekk.

Kino har en lang historie med å gjenspeile de kulturelle moralene i et gitt tiår innenfor sine rammer, og skrekkgenren er ikke annerledes. På 1950-tallet økte atomforferdelsene etter andre verdenskrig; 60-tallet inneholdt mer personlige og sosiale redsler fra slike som Alfred Hitchcock , Romersk polanski og George Romero ; 70-tallet kapitaliserte på historier fra moderne skrekkguruer som Stephen king og dykket videre inn i sci-fi / horror-territorium; 80-tallet fokuserte på store penger-franchiser og lavbudsjett-slasher-filmer, mens 90-tallet tok alt til det ytterste, og på 00-tallet satte moderne teknologi i bruk i den lukrative sjangeren for funn-opptak. Men før noen av de moderne skrekkfilmene satte sitt preg, var det flere tiår med tidlige filmpionerer som banet vei for alt som skulle komme senere.

De tidligste av disse filmene var eksperimentelle av design og av nødvendighet. Georges Méliès 1896 kort Djevelens herskapshus eller hans 1898-kort The Cursed Cave er to av de eldste kjente filmene, det samme er de japanske gruene Bake Jizo og Shinin nei Sosei , begge fra 1898. Det er i de første 20 årene av det 20. århundre vi ser filmframstillinger Edgar Allan Poe fungerer som D.W. Griffith s Det forseglede rommet i 1909, 1912 Robert Louis Stevenson tilpasning Dr. Jekyll og Mr. Hyde , og Thomas Edison sin produksjon av Frankenstein i 1910, blant andre. Det var først på 1920-tallet at filmer nådde betydelige kjøretider, selv om filmene med makabre elementer ikke ble kalt 'skrekkfilmer' til genrenes boom på 1930-tallet.

Så det er tilbake til den svunnen tid med stumfilm og svart-hvitt-bilder vi går inn i denne listen, og velger de fineste eksemplene på skrekkfilm fra Forhåndskode Hollywood . Vi inkluderer lydløse gruene fra den tidlige tyske ekspresjonismen og deres reaksjonære første verdenskrigstemaer, mange flere tilpasninger av klassiske historier av Poe og andre litterære giganter, det enormt innflytelsesrike monsteruniverset til Universal Pictures og tabufilmer som fant seg sterkt sensurert og til og med utestengt etter løslatelse. Bli kjent med noen gamle favoritter sammen med noen skrekkikoner som kan være nye for deg i vår liste over de beste skrekkfilmene fra 1900 til 1950-tallet nedenfor:

Kabinettet til Dr. Caligari (1920)

Starter kronologisk, som vi gjorde i vår gjennomgang av Edgar Wright 1000 favorittfilmer, vi starter listen med 1920-tallets stumfilm, Kabinettet til Dr. Caligari . regissør Robert Wiene Fortellingen om en omreisende showman og hans spåmann somnambulist (aka sleepwalker) er et hjemsøkende eksempel på de absurde vinklene og utforskingen av galskap som er kjernen i tysk ekspresjonisme, men det er også et utvekst av frykten og opplevelsene som er forårsaket av Første verdenskrig. Manusforfattere Carl Mayer og Hans Janowitz brakte sin pasifistiske og anti-autoritære melding til manuset, en melding som ringer høyt og tydelig gjennom hele bildet. Imidlertid tjener bokstøttene til filmens innrammingshistorie underbudet for det budskapet i stedet for å understreke det. Denne tolkningen kan fremdeles være gjenstand for debatt, men dens plass i skrekkhistorien er bunnsolid takket være Cesare somnambulisten og den udyrlige, dupliserte Dr. Caligari.

Phantom Carriage (1921)

En annen grunnstein av skrekk fra stumfilmtiden er det svenske bildet Sjåføren , bokstavelig talt 'The Wagoner', eller som den amerikanske tittelen kaller det, Fantomsvognen . Utgivelsen av filmen kom med et tidlig snev av viral markedsføring siden den ble utgitt på nyttårsdagen i 1921, og som historien går, den siste personen som døde før nyttår ble dødens vognfører og sjelsamler året etter. Denne fantastiske forutsetningen setter opp en historie om en dysfunksjonell familie fortalt gjennom en relativt avansert fortellende struktur ved hjelp av tilbakeblikk i andre tilbakeblikk og spesialeffekter oppnådd gjennom dobbel eksponering. I Fantomsvognen du finner tidlige ekko av slike forløsende historier som Charles Dickens '' A Christmas Carol '' eller til og med Frank Capra 1946-høytidsklassikeren Det er et herlig liv . Denne fortellingen handler om Døden mer direkte enn de julefilmene. Faktisk er det sitert som en stor innflytelse på Ingmar Bergman hvem ville besøke Døden i 1957-filmen Det syvende segl . Det er også ganske tydelig at Fantomsvognen påvirket Stanley Kubrick siden det er en scene som tydelig inspirerte et klassisk øyeblikk i The Shining nesten 60 år senere. Det alene gjør denne filmen til en må-se.

Nosferatu (1922)

Å holde seg i riket av stumfilmer og besøke den andre av Wrights 1000 favorittfilmer, er neste del på denne listen F.W. Murnau 1922-ikonet Nosferatu . Dette var faktisk en uautorisert tilpasning av Bram Stoker 'Dracula' roman, men er fortsatt et av de beste eksemplene i eiendommens lange historie. (Selve filmen ble nesten slettet fra eksistensen på grunn av en forutsetning i en søksmål fra Stokers eiendom.) Selv om navnene endres i denne beretningen, følger de grunnleggende plottpunktene fremdeles det som ble skrevet i romanen fra 1897. Og for pengene mine tilbyr det en av de skummeste skildringene av tittelkarakteren noensinne. Dette er ingen suave, sofistikert telling, men snarere en tilbaketrukket, dyrlignende skapning, selv om visse elementer - som lever av blod, sover om dagen og undgår sollys - er intakte. Max Schreck kanskje ikke har ført til sexappellen som Bela Lugosi ville berømt å bruke mindre enn et tiår senere, men hans vampyrversjon hjemsøker fortsatt drømmene våre akkurat det samme.

Phantom of the Opera (1925)

I pantheon av navn knyttet til tidlig filmskrekk er det bare en familie som kan skryte av navnet Chaney. Det er det Lon Chaney Sr. vi ser på i denne delen. The Phantom of the opera , der han spiller tittelen terror, er en av Chaneys mest kjente roller, men også blant hans siste. Denne filmen, som ligger i operahuset i Paris 'stiger adelig over middelalderens torturkamre', er et klassisk eksempel på kontraster: skjønnheten og storheten til scenen og teatret som kolliderer med mekanismene bak gardinen og dypet i operaens katakomber, kjærlighet mot begjær, ambisjon mot besettelse og skjønnhet mot dyret.

Bortsett fra at denne kjærlighetshistorien henter mer inspirasjon fra den ensidige romantikken til Hades og Persefone enn fra noe i Disneys historiebøker. Besatt av en kommende operasanger, Phantom strekker seg langt for å bidra til å fremme karrieren, så lenge hun lover å forlate alle andre for å bli hans brud. Det som følger er en spennende katt-og-mus-jakt mellom historiens helter og det planlagte, vansirte fantomet som hjemsøker de skjulte stedene i operahuset. Bemerkelsesverdig for Chaneys selvutviklede sminke, som ble holdt hemmelig frem til filmens premiere, den har også litt klassisk 'mob Justice' når det gjelder å håndtere skurken. Dette 'kulturelt betydningsfulle' bildet var det første i Universal's serie med monsterfilmer som ville bli en undergenre for seg selv i årene som kommer.

Terroren (1928)

Bemerkelsesverdig for å være Warner Bros. andre 'all-talkie' bilde og den første skrekkfilmen med synkronisert lyd (komplett med skumle lydeffekter), Roy del ruth s Terroren tilpasset et teaterstykke med samme navn etter Edgar Wallace . Et tidlig eksempel på slasher-sjangeren, som var relativt sjelden når man vurderte alle de monsterbildene som var utbredt på den tiden, fulgte historien gjester fra et engelsk landsted omgjort til et vertshus som er plaget av en mystisk morder kun kjent som 'The Terror. ' Mysteriemorderen avsløres etter en spesielt morderisk natt, men du får vanskelig å spore opp en kopi av den for å se siden filmen regnes som tapt. For noen datidens filmkritikere, som kommer som en velsignelse (jo flere ting endres ...), men for skrekkentusiaster er det en uheldig virkelighet.

Dr. Jekyll og Mr. Hyde (1931)

Paramount Pictures kommer inn på moroa med en av 1931s mange uhyrlige bilder. Dr. Jekyll og Mr. Hyde åpner med den nå ikoniske skrekkmusikken: Bachs Toccata og Fugue in D Minor. Selv om det er auralt interessant, er den mer spennende kroken til starten av denne filmen det visuelle perspektivet. Publikum ser på Dr. Jekyll ( Fredric March , og det uttales Gee-kill som Robert Louis Stevenson sies å ha uttalt det), en smart bruk av førstepersons synspunkt som tillater regissør Rouben Mamoulian å leke med noen speileffekter. Det introduserer også en skiftende referanseramme, en som glir fra Jekyll til Hyde og tilbake igjen, avhengig av akkurat hvilken personlighet som er i kontroll på den tiden.

Dr. Jekyll og Mr. Hyde lykkes ganske bra med å skildre galskapen som lurer i oss alle. Hyde er, etter min mening, den minst skremmende eller minneverdige av denne epokens monstre, men hans uhemmede mani, uhemmede lyst og hovne stolthet gir en fantastisk kontrast til den tøffe, veldedige og romantisk engasjerte Dr. Jekyll; forestillingen ga mars hans første Oscar. Filmen var ganske risqué for sin tid, mht Miriam Hopkins 'provoserende, men likevel overgått nymfe Champagne Ivy. Til slutt, Dr. Jekyll og Mr. Hyde fungerer som en utmerket skildring av en narkoman som ikke er i stand til å motstå sin basistank etter å ha hengitt seg til dem så lenge. Straffen for denne karakterfeilen er intet mindre enn tapet av alt Jekyll holder kjært, inkludert hans liv. Og i en fortellingstaktikk som ofte vil bli gjentatt etter denne filmen, går tittelmonsteret tilbake til sin mer uskyldige form i døden, og tvinger oss til å stille spørsmålet om hvilken side av hans personlighet som faktisk var hans naturlige tilstand, Jekyll eller Hyde?

Dracula (1931)

Uten tvil kommer ikonet til monsterfilmikoner til Bela Lugosi sin suave og sofistikerte skildring av tittelen i en av de mest etterlignede filmene i filmhistorien. Regissør Tod Browning kom inn i produksjonen med et vell av stumfilmer under beltet og en rekke samarbeid med skuespiller Lon chaney . Etter Chaneys død i 1930 hyret Universal Pictures Browning tilbake for Dracula , et bilde fylt med budsjettbegrensninger og studioinnblanding. I motsetning til forrige tilpasning Nosferatu , dette var en autorisert produksjon av 'Dracula' siden Hollywood-produsenten Carl Laemmle, Jr. lovlig ervervet rettighetene til romanen, i håp om å tjene på suksessen med 1924-stykket Hamilton Deane og John L. Balderston .

Det er en god sjanse for at hvis du kjenner en monsterfilm fra før 1950, er det Dracula , eller i det minste versjonen av vampyren som Lugosi har stemplet inn i filmhistorie. Denne versjonen på skjermen sett av utallige millioner på dette tidspunktet ble opprinnelig finpusset av Lugosi selv i Broadway-stykket, men avgjørende uenigheter fikk nesten en helt annen skuespiller for å spille tittelen antagonist. Du kan sannsynligvis sette sammen en tilfredsstillende avhandling om de sammenkoblede inspirasjonene mellom Stokers historie, stykketilpasningen, Nosferatu , og Browning-bildet uten engang å måtte røre arven som denne versjonen av Dracula har skapt. Dette er en no-brainer, som det er neste film på listen, ordspill ment.

Frankenstein (1931)

Hvis Dracula var ikke koppen din fra 1930-tallets monsterfilmte, så er det en veldig god sjanse for at regissøren James Whale s Frankenstein var. Boris Karloff brøt ut på scenen på en stor måte som monsteret i denne raske, gal-vitenskapelige thrilleren som uten tvil er like innflytelsesrik som Dracula , om ikke mer. Takk til Laemmle Jr.s fremsyn for å lande rettighetene til Dracula og filmens nesten øyeblikkelige suksess, Universal Pictures grønt opp en rekke monsterbilder, hvorav Frankenstein ville være neste. Den har også en nysgjerrig introduksjon av skuespilleren Edward Van Sloan som advarer publikum om at historien om Frankenstein kan forferde oss, noe som selvfølgelig bare bidro til titillasjonen.

Til tross for den relativt korte kjøretiden på 70 minutter og dens utbredelse i vår moderne kultur, Frankenstein ble sterkt sensurert i visse regioner etter løslatelse. En scene som lenge ble ansett som kontroversiell - og sannsynligvis er min favorittdel av hele bildet - er når monsteret kaster en liten jente i sjøen og til slutt drukner henne. Andre sensorer ba om å kutte Dr. Frankensteins linje om å vite hvordan det er å være 'Gud', den samme linjen der han berømt roper: 'Det lever!' Den mest alvorlige sensuren ville ha trimmet filmen ned til nesten halvparten av lengden. Heldigvis, takket være moderne bekvemmeligheter og bevaringen av denne filmen av Library of Congress, har vi tilgang til hele dette klassiske skrekkikonet.

Island of Lost Souls (1932)

Enhver film som kan skryte av 'The Panther Woman' som en del av rollebesetningen, er helt klart en må-se på denne listen. Hvis du trenger mer bevis på hvorfor det skal inkluderes, Erle C. Kenton s The Lost of Souls var den første filmatiseringen av H.G. Wells '1896 science-fiction roman' The Island of Dr. Moreau. ' (Manuset ble skrevet delvis av en bemerkelsesverdig sjangerforfatter Philip Gordon Wylie .) Lugosi spiller rollen som lovens lag, hans hittil mest ulvete karakter, selv om det er mye mer en birolle enn filmplakaten kan indikere. Den virkelige maktspilleren her er Charles Laughton som den strålende, men vridde Dr. Moreau, som prøver å spille Gud ved å skape skapninger som er halvmenneskelige, halvdyr.

Dette er en klassisk fortelling som uanstrengt kombinerer en rekke grusomheter til en chiller, uforglemmelig fortelling. Moreau bringer ikke bare disse hybridmonstrene gjennom frynsevitenskap, han styrer dem også med sitt eget sett med lover, sprekken i pisken og løftet om at enhver bøyning eller brudd på disse lovene vil resultere i et besøk til huset til smerte. Det sier seg selv at Moreau ikke kan opprettholde kontrollen over øya og dens befolkning for alltid, men måten kaos erstatter orden i denne filmen er en virkelig hjemsøkende sekvens. Det er en konklusjon som er best opplevd for deg selv, bare ikke se den for nær sengetid.

Freaks (1932)

Når vi beveger oss bort fra berømte Universal Monsters og inn i tabuet, har vi Brownings oppfølging av de meget vellykkede Dracula med MGMs første skrekkbilde, Freaks . Denne mye malignerte filmen, som nesten er umulig å kategorisere på grunn av hvor unik den er, fremkalte sterkt negative anmeldelser fra kritikere, sterkt sensurerte redigeringer før utgivelsen, ble trukket før den fullførte sin innenlandske løp, og led et betydelig tap i billettkontoret. Den dårlige mottakelsen avsluttet i hovedsak Brownings filmskaperkarriere og brente av ethvert cachet Dracula hadde tjent ham.

Og fortsatt Freaks fant en gjenoppblomstring i popularitet blant motkulturgrupper og filminteresserte de siste 40 årene. Filmen, som ikke lenger eksisterer i den opprinnelige, enda mer sjokkerende versjonen, forteller om en gruppe sirkusartister, inkludert en samling 'freaks' som er utstilt for betalende publikum. Medvirkende inkluderte faktiske utøvere, personer med fysiske funksjonshemninger eller abnormiteter, og andre forhold, samt 'normale' skuespillere som spilte de mer tradisjonelle rollene. Derimot, Freaks er alt annet enn tradisjonell siden den skildrer den vakre Cleopatra ( Olga Baclanova ) og sterke mannen Hercules ( Henry Victor ) som virkelig stygge og korrupte mennesker som prøver å dra nytte av 'freaks'. La oss bare si at de får det som kommer til dem.

Freaks kan ikke virke som en skrekkfilm før du kommer til de siste 15 minuttene eller så, på hvilket tidspunkt det blir ganske skremmende. Så hvis du ikke har sett det, gjør deg selv en tjeneste og oppsøk den. Hvis du ha sett det, anser deg selv som en av oss, en av oss!

The Old Dark House (1932)

En annen oversett skrekklassiker fra denne tiden er Det gamle mørke huset , et forsøk fra Whale som nok en gang leder Karloff, men i en litt annen rolle enn hans berømte stampende monster. Det var litt lettere enn Whales tidligere verk, men langt fra å være en skrekk-komedie som den Abbott & Costello innsats som skulle komme senere. Filmen åpnet også med en produsents notat 'avgjøre tvister' om likheter i utseende til Karloffs Frankenstein-monster og hans rare, vilde butler Morgan i The Old Dark House, selv om Universal produserte begge bildene.

Denne filmen var basert på J.B. prestelig romanen 'Benighted' (1927). Det sentrerte seg om et kranglet nygift par og deres bekymringsløse venn som reiste på veien da en forferdelig uvær og en skredskvisning tvang dem til å søke tilflukt i et hjem i nærheten, okkupert av Femm-søsknene. De får snart følge av et annet jovialt par som prøver å unnslippe stormen, men det blir ganske klart at Femm-familien langt fra er gjestfri og faktisk har blitt rørt av galskap. De klassiske troperne av hjemsøkte filmer vises her for fullt, men de føler seg ikke slitne takket være gode forestillinger fra rollebesetningen. Karloff er faktisk den minste blant dem siden hans berusede, vilde brutale karakter bare mumler, knuser og snegler seg gjennom bildet. Femm-familien er imidlertid et fantastisk vridd tillegg til en kjent historie.

Mumien (1932)

Bare et år fjernet fra andre Universal Monsters Dracula og Frankenstein , Karl venn s Moren ser Karloff påta seg sin nest mest berømte rolle (med mindre du teller hans Grinch-relaterte forestillinger, som du sannsynligvis burde). I stedet for å tilpasse et eksisterende verk av skrekkfiksjon, Moren ble inspirert av Howard Carter og hans arkeologiske team som åpnet Tutankhamuns grav i 1922, og den antatte forbannelsen som fulgte dem. Se, et annet Universalmonster ble født!

Historiens fokus var på gjenopplivningen av den gamle egyptiske mumien Imhotep (Karloff) som søker gjennom det moderne Egypt etter sin reinkarnerte tapte kjærlighet. Imhotep gjenoppstår gjennom en magisk rulle, som er en interessant forandring fra de tidligere sett plotene som brukte pseudovitenskap som en vei til transformasjon. Moren har mer til felles med Dracula i denne forbindelse siden de begge er basert på folklore, mytologi og magiske evner enn noe annet innen gal vitenskapens undergenre. Den ambisiøse filmen strakte seg over tusenvis av år med historie og introduserte konsepter om reinkarnasjon og eldgamle egyptiske religiøse praksis for vestlige publikum som allerede var sultne på noe som helst å gjøre med pyramider, mumier og den eksotiske gudepanteonen. Og mens det var en suksess på kassa, skapte filmen fire nyinnspillinger på 1940-tallet, men ingen offisielle oppfølgere.

Bruden av Frankenstein (1935)

Den eneste oppfølgeren du finner på denne listen kommer i Frankenstein franchise. Det er en som lenge ble ansett som mindre enn av både kritikere og filmgjengere, men som nylig har funnet et nytt publikum og takknemlighet. I stedet for å åpne med en advarsel fra en av skuespillerne, begynner det i stedet med litt av en innrammingshistorie: Lord Byron, Percy Bysshe Shelley og Mary Shelley er samlet i stuen, der Mary avslører at karakterene hennes overlevde den første fortellingen. og levde for å fortelle en annen, det samme gjorde regissør Whale.

Og denne fortellingen er til tider uten tvil mer komisk i tone og mer outlandish i karakter, spesielt med tanke på den viste samlingen av miniatyr homunculii og den skarpe, skrikende Minnie ( En O'Connor ). Men det gir også Dr. Frankenstein ( Colin Clive ) en sjanse til å forløse seg selv under den enda mer vanvittige Dr. Pretorius ( Ernest Thesiger ). Pretorius vil ha Frankensteins hjelp til å bringe et nytt liv til denne verden, en brud for sitt forrige monster, og dermed fremme temaet 'å spille Gud'. Frankenstein nekter, etter å ha lært sin leksjon, men får hånden sin tvunget til å hjelpe Pretorius og hans helt egen skapelse. Så mye som jeg elsker å se Karloffs monster lære å snakke, røyke og sette pris på en god bit fiolinmusikk, er det fortsatt hjerteskjærende å se ham avvist av byboere, hans skaper og hans medmonstre. Den endelige sekvensen der monsteret tilgir Dr. Frankenstein mens han dømmer seg selv, Pretorius, og den nylig gjenopplærte bruden (ikonisk lyn-slått bikube-frisyre og alt) tilbake til graven er et overraskende sympatisk øyeblikk for en slik monstrøs skapelse. Det er en verdig oppfølger som noen nå vurderer Whales kronprestasjon.

King Kong (1933)

Hvis det noen gang var et filmmonster som styrte dem alle, var det det King Kong . Denne RKO-monstrositeten kunne lett ha knust hele Universal Pictures 'monsteroppstilling under sin gigantiske simian-knyttneve, men var skånsom nok til å håndtere Fay Wray med forsiktighet selv når du klatrer i Empire State Building og svatter ned angrepsfly.

King Kong kan hevdes å være en fantasy-eventyrfilm, men den har absolutt skrekkelementer. Den skumle Skull Island, som ligger i forræderiske farvann, er hjemmet til en innfødt menneskelig befolkning, eksisterende dinosaurer og gigantiske aper, hvor Kong regjerer øverst. Den virkelige skrekken kommer ikke når filmteamet invaderer hjemøya hans, men når de narkotika det monstrøse dyret og henter ham hjem til New York City. Tenk deg en slik opprinnelig, forhistorisk terror løs i det moderne urbane sentrum av den kjente verden; det må ha hatt New Yorkere borte til den skyhøye profilen til Empire State Building noen ganger for å sikre at den ikke ble utsatt for angrep fra mennesker eller dyr.

Og likevel er Kong et av de tidligste eksemplene på et sympatisk monster, en skapning som blir dratt fra hjemmet for å bli utstilt bare for å dø og beskytte seg selv (og sin kjære) under forvirrende og utenlandske omstendigheter. King Kong lyktes i å vise den kraftige siden av Moder Natur og den monstrøse siden til mennesket, men på grunn av mangel på gigantiske aper i den virkelige verden var menneskets mangler dagens budskap, da og nå.

Den usynlige mannen (1933)

Whale vender tilbake igjen for et nytt Universal Monster. Denne avdraget introduserer Claude Rains i sin første amerikanske filmrolle som Den usynlige mannen , en karakter som han fremførte mest som en kroppsløs stemme utenfor skjermen. Han dukker opp kort på slutten av filmen, men tilbringer mesteparten av skjermtiden innpakket i flere bandasjer enn Karloffs mumie.

Basert på H.G. Wells science-fiction roman med samme navn, Den usynlige mannen kom tilbake til vitenskapens rike for å forklare hovedmonsterets knipe. En kjemiker ved navn Dr. Jack Griffin hadde oppdaget usynlighetens hemmelighet under en serie tester på det uklare legemidlet monocane. Det farlige stoffet gjør ikke bare Griffin usynlig, det gjør ham gal (eller lar uten tvil sine egne laster konsumere ham). Griffin roper uvillige deltakere inn i planen sin, som innebærer tyveri og forsettlig drap for å få makt. I likhet med tidligere skurker forårsaket av innblanding i vitenskap som ikke burde blandes med, blir tittelen antagonist lavt ned av pøbelstyret og hans egen stolthet, og til slutt bekjenner han sine synder og går tilbake til sitt tidligere jeg når døden tar ham. Beats er like her, men stilen er helt egen.

The Black Cat (1934)

Apropos stil, her er en glatt liten fortelling om krig, politikk og hevn som fungerer i nekrofili og Satan tilbeder for godt mål. Åh, og det er den første av åtte filmer som har Lugosi og Karloff sammen på samme skjerm. (Det er også en av de tidligste filmene som har en nesten kontinuerlig musikalsk poengsum.)

Inspirert av en Poe-historie, Den svarte katten finner Lugosis krigsveteran og fangeleiroverlevende Dr. Vitus Werdegast i strid med sin tidligere venn og medsoldat, ingeniøren Hjalmar Poelzig (Karloff). Fanget midt i feiden er et ungt amerikansk par som besøker Ungarn på bryllupsreisen. Det som følger etter deres skjebnesvangre møte, er et bisarrt katt-og-mus-spill som spilles mellom Lugosi og Karloff med paret som premien til seieren: Skulle Werdegast vinne, blir paret satt fri og Poelzig vil betale for sine synder; hvis Poelzig vinner, vil paret bli ofret i en midnattsseremoni, og Werdegast vil også møte sin produsent. Dette er en gal historie som ser at Lugosi skildrer en ødeleggende frykt for katter, Karloff utgjør seg som en død-og-skjønnhetsbesatt galning som dabber i mørk magi, og en ganske icky vri som ytterligere kompliserer forholdet mellom de to tidligere soldatene. Den svarte katten ender med et smell, så definitivt oppsøk denne hvis ikke bare for å se skrekkmestrene på skjermen sammen, men utenfor deres vanlige monster-sminke.

The Raven (1935)

I et annet samarbeid mellom Lugosi og Karloff som ble inspirert av Poe (denne mye tydeligere), Ravnen ser deres skurke karakterer arbeide ved siden av hverandre i stedet for mot hverandre. Mens dette partnerskapet i beste fall er lite (og til å begynne med komisk absurd), er det fantastisk å se det spille på skjermen.

Ravnen har to interessante ting som fungerer for det: samspillet mellom Lugosi og Karloff, og den bisarre besettelsen Lugosis karakter, Dr. Vollin, har med alle ting Poe. Vollin, en begavet, men eksentrisk kirurg, innrømmer å ha bygget en rekke av Poes mest berømte utstyr (spesielt en grop, en pendel og et krympende rom) i huset sitt. Og for å gjøre en lang historie kort, søker Vollin å bruke sitt selvlagde torturkammer på Thatchers, en familie som han hjalp til ved å bruke hans spesielle talenter, men som til slutt fornærmet ham. Vollin henter hjelp fra den rømte morderen Edmond Bateman (Karloff) i dette arbeidet, men bare gjennom grusom lureri. Det ser ut til at Bateman ikke lenger ønsker å være så ond, at han er lei av å være stygg og derfor i hans sinn føler seg tvunget til å gjøre stygge ting. Så når Vollin tilbyr å ordne Bateman med plastikkirurgi i bytte for hans hjelp, virker det som den perfekte matchen. Det som følger er en nedstigning til galskap, svik og besettelse som lar både Lugosi og Karloff løs på skjermen.

The Wolf Man (1941)

Den siste av Universal Monsters er forfatter / regissør George Waggner s Ulvemannen , den første av våre skrekkfilmer å se Lon Chaney Jr. hente kappen fra sin avdøde far. Det var ikke studioets første varulvfilm - den mindre kommersielt vellykkede Varulv fra London debuterte i 1935 - men det ville fortsette å forme varulvsmytologien i flere tiår framover. Dette vil inkludere Chaney Jr.s represal i rollen som fire oppfølgere. (Lugosi og Rains har også biroller i denne første delen.)

Fortsetter temaet 'Amerikanere i Europa i fare' Ulvemannen ser Chaney Jr. som Larry Talbot, en praktisk mann som vender tilbake til sitt forfedrehjem i Wales etter brorens død for å gjenforenes med sin fremmede far. I tillegg til familieflokkene hans, involverer han seg også med en lokal kvinne og vennen hennes, et forhold som til slutt setter ham i direkte kontakt med en vill ulv. Til syvende og sist forvandler denne hendelsen hele livet hans, helt frem til hans hjerteskjærende død. Ulvemannen har kanskje ikke de beste spesialeffektene (selv om selve ulvemannen fortsatt er ikonisk), men det er en absolutt klassiker i sjangeren.

Cat People (1942)

Jacques Tourneur s Cat People er en skrekkfilm av en helt annen slags. Utenfor riket til mer vanlige mytologiske monstre, er denne tittelen terror hentet fra Val Lewton novellen 'The Bagheeta' utgitt i 1930. Historien følger en amerikansk mann ved navn Oliver Reed ( Kent Smith ) som faller for en serbisk innvandrer som heter Irena ( Simone Simon ), som har den særegne troen, basert på legendene fra hjembygda, at hun vil bli en villkatt hvis og når hun er seksuelt opphisset. Som du kanskje forventer, kompliserer denne troen deres forhold, men de gifter seg med det samme. Den virkelige komplikasjonen oppstår når Oliver begynner å falle for sin kollega, Alice ( Jane Randolph ). Helvete har ingen raseri som en katt-kvinne foraktet.

Cat People er i motsetning til noen av de andre skrekkfilmene på denne listen. Irena transformerer seg ikke i full visning av kameraet på et innfall eller ved en eller annen kjemisk besettelse, men ved selve seksuell tiltrekning. Oliver, frustrert over et sexløst ekteskap og manglende evne til å hjelpe Irena med å overvinne sin overtro, verver seg til hjelp fra en psykiater og betror også Alice om hans problemer. Disse beslutningene tjener bare til å komplisere forholdene deres ytterligere og mate Irenas sjalusi til det punktet at den vokser ut av kontroll og fører henne til å forfølge Alice gjennom gatene og inn i sitt eget hjem. For å gjøre saken verre, bringer en affære med psykiateren Irenas latente frykt og tro til livs på en forferdelig måte. Cat People pusler i så uvanlige emner for tiden som mektige og farlige kvinner, farene ved sex og forførelse, skilsmisse, femme fatales og psykiske lidelser. Konklusjonen er imidlertid alt annet enn oppløftende, så vær forberedt.

The Body Snatcher (1945)

I løpet av den mest foruroligende slutten på denne listen over filmer er Robert Wise 1945-innsats, The Body Snatcher . Dette er den siste filmen som viser Lugosi og Karloff på skjermen sammen samtidig (selv om Lugosis rolle er ganske redusert), og var basert på en annen novelle av Robert Louis Stevenson . Denne gangen fant historien sted i 1831 i Edinburgh, bare noen få år etter de veldig virkelige Burke og Hare-drapene der 16 mennesker ble drept for å selge kroppene sine til Dr. Knox for disseksjon ved anatomiforelesninger.

Mens en av hovedfilmene i denne filmen fokuserer på en ung medisinstudent og hans forsøk på å hjelpe den paraplegiske datteren til en ung kvinne, går skrekkelementene i handlingen ganske annerledes. Karloff spiller John Gray, en drosjesjåfør om dagen og en oppstandelsesmann om natten; han leverer nyutgravde (eller til og med nydrapte) lik til leger for disseksjon. Medisinstudenten godtar disse organene med godkjenning fra sin mentor, Dr. MacFarlane. Når den ikke så gode legenes andre assistent (Lugosi) dukker opp død etter å ha prøvd å utpresse Gray, truer oppstandelsesmann med å avsløre sannheten: at MacFarlanes mentor var Dr. Knox og at han hadde en hånd i Burke og Hare-drapene.

Det som følger er en anspent avstand mellom de to mennene som bare blir mer og mer nervepirrende når historien beveger seg til sin uunngåelige konklusjon. De siste øyeblikkene er absolutt verdt å se på, og løsningen på deres kamp blir enda mer meningsfull takket være en upåklagelig oppbygging.

hva er noen filmer på netflix