33 flotte 70-tallsfilmer som tiden glemte

Hvilken Film Å Se?
 
70-tallet ga oss en flott kino av all tid, men de dype kuttene er like gode som de største hitene.

70-tallet regnes ofte som Hollywoods andre gullalder. Styrket av suksessen til Dennis Hopper ’S Easy Rider som avsluttet 60-tallet, viste mange av studioene en vilje til å overlate unge produsenter, forfattere og regissører til å gi en helt ny stemme til kino. Resultatet var et unikt skifer av klassikere fra nye filmskapende mavericks som Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Robert Altman, Woody Allen, Bob Rafelson, Terrence Malick, Steven Spielberg, Hal Ashby, William Friedkin, George Lucas og Peter Bogdanovich , for å nevne noen. Hvordan de skilte seg fra tidligere storheter var gjennom å avstå klassisisme for en nærmere tilknytning til virkeligheten, gjennom flere lyder eller rock 'n roll-sanger i stedet for partiturer, gjennom mer intime plott for å følge en karakter mer enn historien deres og våge seg ut av lydscenen og ut inn i den virkelige verden.

Selv om mange av disse navnene var lynchpinnen for ny suksess for historiefortelling i tiåret, hadde 70-tallet mange flotte filmer som også utnyttet opprørsånden til de nye forfatterne uten å fortsette å motta en klassisk glans. Hvert tiår har glemt filmer, men 70-tallet er en skattekiste av filmer som er opprørske, eksentriske og levende, men ikke lenger nevnt.

For å lage denne første listen hadde jeg bare ett kriterium: Filmen måtte motta mindre enn 10.000 stemmer på IMDb, noe som ser ut til å være et godt barometer for hvorvidt en film har blitt liggende igjen i den retrospektive tidsgeisten. Med denne metoden ble noen ting oppdaget. For det første var mange av filmene som potensielt kunne lande her eksperimentelle med fortelling, eller grindhouse eller utenlandske, noe som selvfølgelig ikke er overraskende. Men mer overraskende var at mange av de store amerikanske filmene fra dette tiåret ikke ser ut til å ha en glødende følge, men ble regissert av en akseptert forfatter som Altman eller Ken Russell , inneholdt ofte en kvinnelig hovedrolle.

Bilde via Paramount Pictures

De store 70-tallsfilmene tilhørte i stor grad menn, ble laget av menn, og fortalte historiene nesten utelukkende gjennom øynene til menn og prøvde å avkode hva det vil si å være en hederlig mann. De er selvfølgelig fremdeles gode filmer, men kino på 70-tallet var den første reelle kjønnsbarrieren for filmer; all ros og utmerkelser skulle The Godfather, One Flew Over the Cuckoo’s Nest, Rocky, The French Connection, The Deer Hunter osv., og det er sterkt i forhold til tidligere tiår der kvinneledede filmer liker The Apartment, My Fair Lady, The Sound of Music osv., kan fremdeles vinne de beste filmprisene gjennom 60-tallet. 70-tallet er da anerkjennelsen og prestisjen virkelig ble ensidig og de aller fleste prestisje-bilder fokuserte på menn. Jeg kan hevde at det var da ideen om et mannsbilde og et kvinnebilde virkelig splinter også. Siden 70-tallet også ga oss ideen om en suksess som for alltid forandret film, med Stjerne krigen , skillet økte på 80-tallet, og vi begynner nå å se en tilbakevending til prestisjefylte kvinnelige bilder fra store regissører.

Det er ikke for å kritisere de fantastiske filmene som Gudfaren, Apocalypse Now, Badlands, Dog Day Ettermiddag, og mer og mer som kom ut på 70-tallet, men det er verdt å merke seg at de fleste filmene på denne listen - som ikke fikk første studiostøtte og ikke lenger har støtte fra et stemmesystem som IMDb - har kvinner i hovedrollene. Resten er utenlandske, frynsete og slemme. Eller i noen tilfeller er de regidebuten til en regissør som vil ha en kultfølelse, som Walter Hill og Elaine May . Les gjennom noen av valgene og hør på hvilke filmer du er enig med eller kanskje vil sjekke ut, eller hvilke megaklassikere du mener er overvurdert.

The Lickerish Quartet (1970)

Radley Metzger var en pioner innen erotikk. Mens hans samtidige liker Russ Meyer og Tinto Messing tilbrakte 70-tallet med å fremheve spesifikke kvinnelige trekk (Meyer på brystet og Brass på rumpene), Metzger laget kunst som tidvis inneholdt hor. Ikke bare ta ordet mitt for det, Andy Warhol kalt The Lickerish Quartet “Et opprørende kinky mesterverk” og UCLA har restaurert filmutskriftene sine og holdt retrospektiver for å markere arbeidet hans. Det er akademisk.

The Lickerish Quartet begynner på et europeisk slott hvor en velstående familie ser på en gammel 'blå film' (som man gjør med familien i et slott), så reiser de ned til et sirkus der de ser noen våghalser. De merker at en kvinnelig motorsyklist ( Silvana Venturelli ) ser veldig ut som kvinnen som først og fremst var med i den skitne filmen de nettopp så på. Så, selvfølgelig, inviterer de henne tilbake til slottet sitt, hvor de snakker om sykkeltriks, viser henne den slemme videoen og inviterer henne til å oppfylle hver av sine fantasier, en etter en. I mellomtiden spør hun gjentatte ganger, 'hvem har pistolen' og familiens patriark ( Frank Wolff , som hadde små roller i begge Det var en gang i Vesten og Den store stillheten ) har tilbakeblikk på sin tid i krig. Ja, det er sex og det er litt tullete fantasy-musikk, men hva gjør det Lickerish Quartet imponerende - og en av få filmer i sitt slag der du kan se på film, historie og produksjonsdesign og fremdeles ha det snobbete filmkortet ditt - er fantasifulle oppsett, redigering og endringer (et bibliotek forvandles til en skitten ordbok, for eksempel). Du kan bli varm, du kan le, men du vil også føle deg dårlig om krig og foreldre.

Undersøkelse av en borger over mistanke (1970)

Bilde via kriterium

Undersøkelse av en borger over mistanke er det sjeldne mesterverket som jeg også vil gjerne se en oppdatert nyinnspilling av. Dens regjeringsmessige bekymringer er så tidløse, så modne, så flettet inn i fortid og fremtidig struktur av et ødelagt styrende samfunn. Donald Trump skrøt en gang av at han var så populær blant basen sin at han kunne skyte noen på Fifth Avenue og aldri få noen konsekvenser. Vel, det er dette som en film, bortsett fra langt mer intelligent, nysgjerrig og bekymret for hva den åpne opptaket egentlig betyr.

En borger over mistanke introduserer den romerske politimesteren ( Gian Maria Volonte ) når han kommer inn i leiligheten til en kjæreste som spør hvordan han skal late som han dreper henne i kveld, bortsett fra i stedet for å engasjere seg i deres vanlige rollespill, dreper han henne; han etterlater et rot av ledetråd med vilje, nysgjerrig på å se om hans status, som kvinnen ble tiltrukket av, faktisk kunne redde ham fra eventuelle konsekvenser for en alvorlig lovbrudd. De Ennio Morricone score, som bare er en gjentatt temakomposisjon, inkluderer en kjeveharpeeksplosjon som lar deg vite at det er greit å finne humor i alt som utspiller seg. Men selv om den sosiale kommentaren og satiren i seg selv er veldig sterk, er den sanne mestring av Elio Petri sin film er i hvordan han bruker tilbakeblikk mellom politimesteren og den drepte kvinnen, Augusta Terzi ( Florinda bolkan ). Vi ser at hun setter en felle, uten å vite det for seg selv, ved å kjede seg en natt og fylles ut ringe politistasjonen for å bate den som svarer ved å beskrive seg selv som naken i leiligheten sin med en inntrenger, og hun er nysgjerrig på om noen der vil redde henne eller om de ' bare la henne bli voldtatt og ignorere fremtidige rapporter. Sjefen kommer til å inspisere og interessere seg for hans makt, hun fortsetter å presse ham til å gjøre ting for spenningen ved å være for høy i makten til å motta noe knokking.

Det er viktig at selv om Augusta er involvert i denne makaberdansen, kaster Petri henne aldri skyld for hennes død. Bolkan utfører Augusta som en kvinne som gjør opprør mot samfunnet, men at opprøret trekker henne nær maktmennene og også menn på den revolusjonære siden som ønsker å snuse ut nevnte makt; hun blir stadig rørt av å bryte lover, men faller umiddelbart inn i en depresjon av bevissthet, der han ikke gjør det.

Et viktig skille i Over mistanke er hvem som blir navngitt og hvem ikke. De fleste mennene i regjeringsposisjoner blir ikke referert til med navn, men i stedet deres rang, noe som gjør dem ikke menneskelige, men staten personifiserte. De som blir kalt er enten ofre eller de som er under overvåking for deres kommunistiske tilbøyeligheter. Det er et viktig skille at Italias fascisme etter Mussolini fikk fortsette, feste og vokse, bare på grunn av frykten for at kommunismen skulle erstatte den. I tillegg, når Petri skjærer mellom hans forsøk på å bli funnet ut og hans tidligere forhold til Augusta, kommer vi til å innse at hans sosiopatiske angre er knyttet til det som oftest er for menn med makt, et slag mot egoet på deres seksuelle virilitet. Selv om det ikke er sagt, får vi følelsen av at grunnen til at han begår denne forbrytelsen, er slik at han kan gå over til sjefen for politisk politi for å lytte til de revolusjonære som forbinder dem med Augustas seksuelle preferanse fordi hun sniker seg bort for å elske en kommunistisk ungdom etter å ha avvist ham på stranden.

Dette er et rett og slett fantastisk verk av korrupsjon, begjær og sosiopatiske tendenser som blir flettet sammen og fostret av makt, og blir ødeleggende. Et rom fullt av menn som bøyer den typen makt som lar slike perversjoner av tillit fortsette. Navnløse menn, som beskytter sine egne, ofre og sannhet blir fordømt. Høres kjent ut?

The Music Lovers (1970)

Musikkelskerne fremkalte dette svaret fra en av de største filmkritikerne gjennom tidene, Pauline Kael: 'Du føler (som) at du burde drive en innsats gjennom hjertet til mannen som laget den.' Mannen som laget det er Ken Russell . Historisk sett, Musikkelskerne følger de dømte heteroseksuelle forsøkene fra den berømte komponisten Pyotr Tchaikovsky ( Richard Chamberlain ) når han reiser seg gjennom den musikalske verdenen ved å snu ryggen til sin homofili og tar del i et fusk av et ekteskap. Det handler om musikkens kraft, men det handler også om destruktiviteten ved å holde tilbake sex - fra seg selv og fra andre.

Etter å ha potensielt reist til veterankomponistene til Russlands berømte Mighty Five, valgte Tsjajkovskij sin kone fra en serie kjærlighetsbrev som hun hadde skrevet til ham uten å møte ham. I hans sinn, fordi hun bare kjente musikken hans, det er alt hun trengte for å elske ham. Men Antonia (utrolig Glenda Jackson ) trengte mer enn musikken sin. Hun trengte også sex for å føle seg elsket. Den setningen kan høres krass ut og Russell presenterer den noen ganger slik, men den er også hjerteskjærende. Det er ydmykelse både ved å avslå noen for sex og i å bli avslått.

Det er en fantastisk scene på bryllupsreisen der Tsjaikovskij spesifikt får Antonia veldig full på et tog slik at han ikke trenger å ha sex, men hun prøver fortsatt. Hun går naken ut på gulvet i togbilen deres, og støtene på sporene får kroppen til å svinge seg frem og tilbake voldsomt; Tsjaikovskij ser forferdet på sin sårbare kropp. Det er denne seksualitetens skrekk som kanskje provoserte stavreaksjonen fra Kael. For Russell er som regissør alt annet enn klassisk. Han, som Tchaikovsky her, var ny på scenen i 1970. Og han radikaliserte hva som kunne gjøres med et historisk epos. Dette er ikke David Lean. Dette er en film som gjenskaper visjonene vi lager når han hører musikk. Og en som ser på en sinnssyk asyl som grobunn for, sinnssykdom. Dette er den mest uvanlige og høylytte filmen som noen gang har mottatt penselstrøkene som vanligvis er reservert for eventyrepos.

A New Leaf (1971)

Woody Allen og Mel Brooks motta det meste av utmerkelsen for amerikanske komedier på 70-tallet, men Elaine May fortjener å bli nevnt som likeverdige (passende nok kastet Allen henne nylig som sin kone i sin Amazon-serie, Krise på seks scener ). Den hjerteskjærende gutten er hennes mesterverk (og darn nær en perfekt underholdning) men Et nytt blad var hennes fantastiske start.

Blad vedrører Henry Graham ( Walter Matthau ), en tillitsfond dimwit som ikke har noen virkelige hobbyer eller kunnskap. Vi møter ham når han får beskjed om at han ikke har ekte penger; han brukte alt. I et siste forsøk på å fortsette å gå til countryklubben og leve høyt samfunn, satset han med onkelen om at han kunne være gift med en rik kvinne om seks uker. Hvis han lykkes, vil gjelden hans bli ettergitt, og til slutt dreper han bruden kort tid etter seremonien for å motta arven hennes. May selv spiller den potensielle bruden, en klønete og bookish kvinne som ingen snakker med på high society-klubben.

Et nytt blad er en klassiker Preston Sturges -inspirert slapstick-komedie med en djevelsk leksjon på slutten av kjøretiden. Matthaus dødelevering er perfekt for å representere en talentløs, men berettiget oaf, og da 70-tallet skapte rammene for økende inntektsforskjell, er hans dårskap ekstra kuttende nå. Men den uhyggelige satiriske vrien som May har i ermet, er tanken på at grunnen til at menn så lett sender kvinner og forhold er fordi de søker noen som vil gi dem en arv. For mange er det en arving til å lede et selskap med navnet sitt på, men for Matthaus fop er det å få en ny planteart oppkalt etter seg. Vil en slik gest få ham til å snu et nytt blad og tenke på noen andre enn seg selv?

The Boy Friend (1971)

Ken Russell gir Sandy Wilson ’S Broadway-smash Guttevennen noen film razzle-blend. Selve stykket handler om de brølende tjueårene og to unge mennesker som forelsker seg mot foreldrenes ønsker. Denne tilpasningen gjelder en undersøkelse ( Twiggy ) på et sliterende 1920-lekehus i London, som kastet seg inn i øvelser etter stjernen (a Glenda Jackson cameo) lider en skade for produksjonen av, du gjettet det, hva som blir 'The Boy Friend.' Mange av Wilsons populære sanger forblir her, med en sidehistorie om en filmprodusent som er i publikum som ønsker å kaste den neste store tingen, og den studerte begynner å bli forelsket i den mannlige hovedrollen ( Christopher Gable ) da han hjelper med å øke selvtilliten hennes gjennom hele øvelsen.

Guttevennen er lang, men har noen av de mest fantastiske sett- og kostymedesignene til enhver musikal. Fordi dette er Russell, skaper disse designene dagdrømmer av utøverne også, ikke bare produksjonen. Det er en blendende film for design. Og Twiggy, modellen, er ganske naturlig som den unaturlige stjernen som har den faktoren som filmprodusenten leter etter. Russell sa at han laget denne filmen som en pallrens for det urolige og studioet Djevlene (se nedenfor). Som sådan er det lett å se hvorfor det er lang, da Russell sannsynligvis bare trengte litt skinnende glede i livet sitt. Fans av La La Land vil finne noen scenografiske nikker her.

The Devils (1971)

Ken Russell ’S Djevlene er mindre glemt og mer bare veldig vanskelig å finne. Det blir konsekvent bedt om å bli lagt til i Criterion Collection, men Warner Brothers virker helvete bøyd om aldri å gi slipp på rettighetene. Studioet har blokkert utgivelsen av en Blu-ray, slik at BFI bare kan vise den i England hvis den er oppført som en lærerik opplevelse, og versjonen som meg selv og mange filmfans har sett, statlig, kommer direkte fra Martin Scorsese Sin egen samling, som han låner ut til en og annen screening (bare for å hype deg opp). For å legge til intriger, Guillermo del Toro har anklaget WB for over 40 års sensur ved aldri å la det treffe hjemmevideo. Nå er dette studioet som ble gitt ut mye Eksorsisten —Som inkluderte en scene av en besatt før-tenåringsjente som stakk skjeden hennes med et krusifiks og deretter tvang mødrene sine til ansiktene mens hun mumlet, ”slikk meg” - bare to år senere. Så i en tid og tid hvor studiokatalogene er allment tilgjengelige, hvorfor sitter denne filmen under lås og nøkkel?

Djevlene sentrerer rundt en forfengelig prest ( Oliver Reed ) og klumpen nonne ( Vanessa Redgrave ) som begjærer ham så dypt at hun anklager ham for hekseri og andre nonner i klosteret, blir med på beskyldningen fordi beskyldningen gjør at de kan oppføre seg som om de er seksuelt, og dermed er de mer fritt til å praktisere sine ønsker enn kirken vil tillate. Det er et lunkent mesterverk, slik mange av Russells filmer er. Og når nonnene hengir seg, bringer den frem den anarkiske og kaotiske siden av forfatteren. Dette er en av Redgraves største forestillinger, og det er en interessant kritikk av religion og undertrykkelse av begjær. Nå er filmen så hyped fra sin egen undertrykkelse at den sannsynligvis virker tam etter dagens standarder, noe som gjør WBs oppførsel enda merkeligere (i WBs tenkemåte er blasfemiske presentasjoner på et barn i besittelse mer greit for publikum, men blasfemiske presentasjoner som blir forfalsket av et kloster er ikke).

Merk at det er to onani-scener som ble kuttet fra teatralsk utskrift for å motta en kort X-rangert utgivelse i både Storbritannia og USA, å, som jeg har sett en, og den er ikke grafisk, men er både foruroligende og mørk humoristisk, stiller spørsmålstegn ved om alle kristne praktiserer sin religion for å gjøre hjertet rent, eller fordi det gir dem muligheten til å kontrollere andre. Kanskje det er det åpenbare ønsket fra kilder utenfor filmen som Criterion Collection å gi ut filmen som en bonusfunksjon som holder denne filmen undertrykt. Eller kanskje, som Birth.Movies.Death notater , det er bare en gammel skarp leder som har en personlig vendetta mot filmen, og vi trenger bare å vente på at vedkommende skal dø av (som mange tilbakestående tilnærminger til å tenke i disse dager), og vi vil endelig alle kunne bestemme selv om vi kan takle denne filmen eller ikke. Hvis du noen gang ser denne filmen oppført i lokale oppføringer for en nattvisning, gå.

10 Rillington Place (1971)

Bilde via Columbia Pictures

Attn: Murderinos, 10 Rillington Place er en medrivende og ubehagelig glemt sann seriemorderfortelling der den mest huggable mannen fra vår Jurassic Park / Miracle på 34thgate barndom, Richard Attenborough , gasser kvinner, har sex med sine bevisstløse kropper, kveler dem, begraver dem i hagen og rammer inn noen andre for det! Noe som begrunner denne filmen, i stedet for å oppsiktsvekkende handlingene, er hvordan den gjentatte ganger viser hvordan patriarkalske samfunn (og veteran-tilbedende samfunn) lar morderen operere med letthet. Han tjener tillit gjennom sin utdannede stemme og sin erklæring om tidligere medisinsk praksis. Leietakerne hans ( John Hurt og Judy Geeson ) er et ungt, veldig fattig par med ett barn. Kona vil ha abort fordi de ikke har penger til et andre barn fordi han er analfabeter og den eneste som kan bli med i arbeidsstyrken. John Christie (Attenborough) er deres nabo og han er i stand til å bestille sin kone ( Pat Heywood ) å dra når det er nødvendig for sitt 'arbeid' som eneste leverandør selv. Det er hans krigsrekord som holder sine tidligere arrestasjoner undertrykt. Og det er systemet som favoriserer veterinærer, utdannede menn og en lat politistyrke som lar ham fortsette selv etter at kroppene er oppdaget.

Attenborough er kvalmende og nagende, Hurt er fantastisk, og regissør Richard Fleisher ( Den fantastiske reisen ) tar godt med Storbritannias kjøkkenvaskerealisme etter at Hollywood kastet ham etter noen studioflops. Tristheten i Attenboroughs stilling når han skjenker en forgiftet te som han ikke vil kunne bruke til voldtekt og drap fordi rørleggerne har kommet over, er en så fin oppmerksomhet på hvor mye kontroll denne mannen er vant til å ha i huset sitt.

Publikum var ikke så vant til seriemorderfilmer i 1971 som de er nå, så å starte filmen med en elsket skuespiller som dro en bevisstløs kvinne til bakken for å få sin vei med henne, var sjokkerende i 1971, så det ville være fornuftig at Fleisher ville fokusere på to grizzly-handlinger og abort på rettferdighet og ikke tvinge publikum til å tåle flere drap fra den sanne historien. Men nå som vi har en seriemorderbesettelse i film / tv, kan de siste 10 minuttene av abort rettferdighet være sin egen film; hvordan dette monsteret fortsatte og hvorfor Storbritannia avskaffet dødsstraff på grunn av det. Likevel, selv om det er et rush gjennom en prøve på slutten, er dette faglig tempo, kvalmende og vakkert utført.

Wake in Fright (1971)

Bilde via United Artists

Australia's Våkn opp av skrekk er den mest kunstneriske Bakrus - stilfilm og mitt personlige mareritt: å være omgitt av en horde av degenererte menn som drikker, gambler, kjemper, avskjediger kvinner og skyter dyr for sport, uten noe tilgjengelig alternativ for å etterlate dem. Gary Bond er en lærer som gjør et dårlig spill, og blir deretter marooned i en by full av fulle og voldelige menn (ledet av Donald Pleasance ) som prøver å tvinge ham til å være like full og voldelig som dem.

Denne historien om mannlig misforståelse er mer skremmende enn Levering fordi disse mennene er mer identifiserbare, og ønsket om å seksuelt dominere andre menn antydes heller enn direkte. Den oransje ørkenen er vidstrakt. Men vær advart, kengurujakten er oppkast, den ser virkelig ut fordi regissør Ted Kotcheff brukte ekte opptak som han hadde funnet; dette var for å konfrontere publikum med voksende ulovlige kengurujakter som oppstod for mannlig sport, og var en integrert del av økt regelverk, men 40 år senere uten den bevisstheten om tiden, er det utrolig vanskelig å se på, så å vite at det på forhånd ikke bare er nødvendig advarsel, men også nødvendig for å vite årsakene til at den ble inkludert i utgangspunktet. Og de negative egenskapene til menn i grupper som tar de verste valgene om og om igjen, er tidløse. Selv om han prøver på flere måter, kan ikke læreren etterlate dem; det er som om han er i en sandklode.

Kotcheff er mest kjent for å regissere den første Rambo film, Første blod , men han ville nummen disse broderskapstemaene for amerikanske festfilmer som Nord-Dallas førti og Helg på Bernie’s (!!). Selv om mennene i Bernie 'S henger med en død fyr, jeg vil heller sparke det med de dudene enn disse monstrene.

Little Murders (1971)

Jeg ble introdusert for Små mord , en morsom satire av ekteskapsfeber, gjennom en venn som giftet seg. Hun ville at personen som hadde tilsyn med løftene sine, skulle se på klippet Donald Sutherland Pastor når han leverer en bryllupsinnledning om hvordan 'ekteskapets virksomhet fortjener' en oppgivelse av ritualer i jakten på sannheten. ' Emnene som Sutherland snakker om mens Elliott Gould og Marcia Rodd venter på å gifte seg er hvor mange av bryllupene han ledet har endt i skilsmisse og de mange grunnene til at de mislykkede ekteskapene fant sted; onani, narkotika, uinteresse. Det er virkelig en hypnotiserende, morsom og ja sannferdig analyse av ritualer og ekteskap, og hvordan alles grunn til å gifte seg er 'ok', og det samme er deres avgjørelser om å forlate, for så mye som vi vil se på ekteskapet som en sammensmelting av to identiteter, det er den usanne versjonen.

topp 10 actionfilmer fra 2015

Se på monologen her og hvis du er enig i at dette er en ganske groovy tale, gi Alan Arkin Sin regidebut en spinn. Den er full av vidd, utrolig intelligent, selv om det tar en merkelig omvei for tredje akt, er det en av de morsomste filmene fra et tiår som flyttet fra svingingen på 60-tallet tilbake til tidløse ritualer. Når det gjelder drapene? Som mange filmer på denne listen er det en tidskapsel fra det ekstremt farlige og dystre New York-tallet. Og når det gjelder kona som er i fremtiden som introduserte meg for filmen? Hun er fortsatt gift og legger siste hånd på en Hal Ashby dokumentar som skal begynne å vises i 2017. Og for alle som leser denne listen, er det en må se etter, for Ashby er kanskje den mest glemte store forfatteren på 70-tallet.

Minnie og Moskowitz (1971)

Minnie og Moskowitz kunne lett betegnes som “Menn som kjefter på Gena Rowlands Om hvorfor de burde være en vare ”. Men med John Cassavetes manus, roping er morsomt. Utstilling A, Zelmo Swift ( Val Avery ), en morsom kalt rik fyr som er “livredd for kvinner” og en virkelig dårlig date-samtalepartner, men rent filmgull for datoen fra helvete som fortsetter og fortsetter om utseendet hennes og hvor “fantastisk” hun er uten å la henne snakke. . Utstilling B, den voldsomme betjent betjent, Seymour Moskowitz ( Seymour Cassel , Jason Schwartzman Far i Rushmore ). Moskowitz redder Minnie fra slutten av denne datoen og prøver deretter umiddelbart å ta henne ut på en pølsedato. I motsetning til Zelmo stiller han henne spørsmål, men Minnie svarer knapt.

Minnie og Moskowitz introduserer sine to hovedpersoner mens de har en egen samtale om kino. Til syvende og sist er dette et innblikk i deres verdensbilde. Seymour ser på filmer som en flukt, og Minnie ser på dem som falskt håp ('De setter deg opp. Og uansett hvor lyse du er, tror du fortsatt på det.'). Cassavetes følger den søte / ridder-i-skinnende rustning-formelen for en filmromantikk, men har i stedet 'premien' å være en kvinne som er oppgitt og nær comatose i bekymring for følelsesmessige følelser i det hele tatt. Minnie representerer hvor stygg verden kan være og hvor triste filmer dermed kan bli for å gi håp, og Seymour representerer hvor levende det verdslige kan bli med bare et tankesett om å lete etter underholdning. Den ene er vellykket; den andre er et skritt over en rumpe (men han er også snill mot rumpe og slags vond mot vellykkede mennesker). Seymours forfølgelse er ikke akkurat romantisk, men romantikk føles mulig mellom dem, og det er denne filmens reise: presenterer muligheten for romantikk i stedet for filmversjonen der romantikk er forseglet av sluttkredittene.

Bilder (1972)

Robert Altman Den klaustrofobiske kvinne-gale fortellingen ble levert en bjørnetjeneste av filmkritikere i 1972 og nektet i det vesentlige den brede utgivelsen. Susannah york vant beste skuespillerinne på filmfestivalen i Cannes det året, men de største avisene i New York nektet å dekke det, og de få anmeldelsene fra New York Film Festival drepte sjansene for videre distribusjon. Det er rart å tenke på hvor kaldt kritikere mottok Altmans film, men han hadde nettopp laget MOS og McCabe & Mrs. Miller , to involverende og rette fortellende mesterverk og Bilder virket sannsynligvis som et rot på den tiden. Men å se på det nå, etter at mange av oss har sett andre forvirrede femme-filmer, som f.eks Åpningskveld, Mulholland Drive, Black Swan, Queen of Earth og mange flere, det er en ganske naturlig klokke og perfekt utført av York, Altman og filmfotografen, Vilmos Zsigmond .

I hovedsak, Bilder er en visuell gjenfortelling av Ingmar Bergman ’S Person . I Bergmans film bekjenner en sykepleier en seksuell begivenhet for en stum pasient og føler deretter at pasienten har makt over henne fordi hun kjenner sin mørkeste hemmelighet. Men mens Person brukte en lang monolog for den tilståelsen, Bilder bruker, gjettet du det, bilder.

I Bilder , det er en gift kvinne som vet at hun har snytt mannen sin; den første mannen hun jukset med døde i en flyulykke, og nå hjemsøker han henne i deres jakt sommerhus. En mann som bor i nærheten oppdager skaden hennes og tror hun sender ut voldtektsfantasi-signaler, så han besøker henne mens mannen hennes jakter. Hennes sommerferie er et hjemsøkt hus for menns hån og seksuell lyst (både fra de døde og dødelige). Hun tror hun dreper dem alle, men hvilken mann dreper hun egentlig?

Dette er en av Altmans mest fantastiske øvelser innen humør og kameraarbeid (det er også en av de rareste og mest spennende partiturene fra John Williams , full av vridde nerver). Forebodende hjortehoder, hvisket fortelling, pianoplanker, kamerabevegelse som viser et drap i hennes sinn og som kan avsløre sannheten i samme ramme, ja, Bilder fikk knapt en utgivelse, men du kan se dens innflytelse på fremtidige filmskapere som blodflekken fra en død kropp som blir dratt fra kjøkkenet.

Sounder (1972)

Martin Ritt Adaptasjon av William H. Armstrongs symbolske ungdomsroman kunne virkelig bruke en re-master. Slik det for øyeblikket ser ut, har det utseendet og lyden av en gammel TV-tilpasning, men ikke la deg redusere filmen. Lydgiver er en kraftig film om den fine linjen som en svart familie må gå for å lykkes i samfunnet. Etter en annen ikke-vellykket jakt, en far ( Paul Winfield ) stjeler skinke til barna sine og blir fengslet og sendt til en kjedegjeng og hans kone ( Cicely Tyson ) og eldste sønn ( Kevin Hooks ) hører gjentatte ganger fra butikkinnehaveren, lensmannen og lokale kvinner som sender dem klesvasken deres, hvordan de 'gikk ut på et lem' for dem som familie. Det er hjerteskjærende å se hvordan Morgans blir behandlet som om de skal føle skam i arbeidet sitt fordi det er et oppfattet privilegium for dem å jobbe i det hele tatt, og dermed blir byens ønske om takknemlighet nå et ønske om en utveksling i vanære .

Tyson viser en varig styrke til å bli bedømt bare av sitt arbeid, hun forkynner ikke i matriarkrollen, og Lydgiver er stille feministisk mens hun prøver å innpode sin egen egen ære utenfor familieenheten. Hooks stikker til slutt av med sin pålitelige hund for å finne hvilken kjedegjeng faren hans er på. Han snubler inn i et skolehus med en lærer som ikke dømmer ham etter farens forbrytelse og tilbyr ham hjelp til å lære å lese. Hva gjør Lydgiver en vellykket tilpasning av en elsket bok er Ritt bruk av lyd, hans tillit til utøverne til å fremføre det usagte og å la avhandlingen i boka aldri uttalt direkte, men i stedet avslører den seg for publikum med subtilitet. Lydgiver er en veldig voksen tilpasning av en populær barnebok, håndtert med nåde og verdighet.

Tung trafikk (1973)

Ralph Bakshi ’S ( Ringenes herre ) animasjonsfilmer som ikke er trollmann, er vanskelige å se og vanskeligere å anbefale, men de er også viktige visninger for alle som er interessert i å se 70-tallet New York fra søppelkassen. Fritz katten perverterte motkulturbevegelsen og Coonskin er for eksempel et stygt blikk på urban rasisme. Tett trafikk er hans mest personlige film, om en ung tegneserietegner som vandrer rundt i New York-gatene som en måte å komme seg ut av sin voldelige husholdning, og som sådan føles det ikke som om han prøver å provosere eller skremme, men innrømmer heller at han har sett mye av tøff dritt i sin tid, men liksom likevel levd å se mange dager. Men på enden av tunnelen, som er full av prostituerte, strippere, hetter og bums, elsker han hjembyen sin. Det er byen som aldri sover fordi det er så mye seedy stimulus. Betrakt deg selv som advart, filmene hans har ikke rom for følsomhet, de er heller en utholdenhetstest. Akkurat hvordan han ser på by- og hjemmelivet.

Tett trafikk er en feberdrøm, en Dante fra 70-tallet Helvete , og å se på det er å legge til ytterligere kontekst til Travis Bickels overholdelse i Drosjesjåfør at noen kunne bli så overstimulert av billige gleder at de ville be om 'et skikkelig regn for å komme ned og vaske alt dette avskallet fra gatene.' Faktisk når Martin Scorsese skjøt Drosjesjåfør de måtte stoppe produksjonen i en kort periode da en protest over Bakshi’s Coonskin resulterte i at en røykbombe gikk i gatene utenfor teatret. Scorsese sendte opptakene til Bakshi som sa at han 'ikke visste om han skulle le eller gråte'. Et sted i Tett trafikk ligger det bankende hjertet til en kunstner som tror det ler samtidig som gråt er den eneste måten å virkelig vaske ting vekk.

Torso (1973)

Bilde via Interfilm

Torso er en italiensk slasher som setter de fleste reglene som senere vil bli etablert for amerikanske slashers. Det leieende mannlige blikket gjør alle mistenkelige når studentlegemene begynner å hoper seg opp og det er de gratis seksuelle vesener som blir drept av en etter en. Det er så mye nakenhet i begynnelsesdelen at Sergio Martino 'S film nærmer seg kvinnefein, men giallomesteren setter opp en fantastisk gevinst. Men til slutt, etter å ha hørt alle samtalene i byens arbeidsklasse om kvinnelige studenter som har leid en villa for å gjemme seg bort fra drapsmannen som hakker kvinner på partier utenfor campus, er drapsmannens besettelse av dukkedeler begynner å gi mening i hvordan kvinnelige kropper brukes.

Motivet hans er dumt, men en voksen manns manndom ble stuntet i et ungdommelig øyeblikk hvor han ba om å spille et spill, jeg skal vise deg min hvis du viser meg din, det er hindret av noe tragisk som skjer med en dukke. Og på college-campus, ved den gratis kjærlighetsbordello og i den pittoreske villaen, når det er rikelig med nakenhet, er det kvinner som har ansvaret for kroppene sine: De samarbeider villig med en elsker i baksetet til en bil, danser av seg i en hippie dirge, slapper naken på en sofa, slik at menn kan kaste brystene mens de røyker en sigarett, men ber dem om å stoppe når de prøver å gå lenger, og mest frimodig, når de er alene, naken soler seg opp ned i villaen. Og så plutselig, når drapsmannen ankommer villaen, vender Martino filmen på hodet og gir oss det ultimate endelige jentescenariet før den endelige jenta til og med hadde blitt en trope.

I hvert tilfelle av nakenhet har kvinner kontroll over kroppene sine. Det er leering, og ja, den lesbiske scenen føles mer som en produsent som sier gi en til publikum, men til slutt tror jeg at overdreven nakenhet blir hamret hjem som et poeng. Dukker er noe unge gutter ikke kan leke med med mindre jentens eier gir tillatelse. Og ofte er det ikke tilfelle. Den avslappende nakenheten har mer å gjøre med stillheten til deres voksne kropper i en naturlig tilstand, redusert til dukkedeler hvis en mann ser dem i en slik positur. (Den siste delen av dialogen fra mennene i byen er at de vakre kvinnene ikke engang ville snakke med dem fordi de ikke var utdannede; igjen, en måte at kvinner har mer handlefrihet i en tid der sex før ekteskap er den nye normalen. men kvinners roller i romantiske og pedagogiske sysler endrer seg ved siden av det, og gir dem mer handlefrihet).

Men det er de siste 30 minuttene som gir Torso en flott all-time giallo. Mordene begynner å skje utenfor skjermen når morderen forfølger villaen, så i stedet for morderiske scener som skaper spenning, er det en langvarig sekvens hvor hvert gulvbrett knirker, hvert tak i barristeren i tre, får enorm vekt. Det er en av de mest langvarige intensjonene av en skrekkfilm jeg noensinne har sett. Og selv om Final Girl-scenariet skiller seg ut fra fremtidige regler, har Martino enorme kameratriks i ermet for å desorienterer betrakteren.

The Iron Rose (1973)

Bilde via ABC Films

Jean Rollin ’S Jernrosen er Den utryddende engelen av sykelige lystfilmer; to unge hotties går inn på en kirkegård og finner ikke veien ut. Er det en metafor for ekteskapet? Kan være.

To franske fremmede ( Francoise Pascal og Hugues Quester ) møtes etter at han har resitert et makabert dikt i et bryllup. Gutten spør jenta, jenta sier ja, så han slår et tre av spenning. De møtes ved toggården neste morgen og jager hverandre fra lokomotiv til lokomotiv. Det er søtt. Han foreslår vin, men jenta vet ikke at han vil at denne piknik skal være på en kirkegård fordi det er stille. Mot hennes forbehold om plassering ender de selvfølgelig opp i en krypt, men etter at kjærlighetsøkten varer lengden på et helt lys dukker de opp i mørket, begynner å krangle og misbruke hverandre til han sparker et jernkors, hun legger seg på en grav og blir kanskje besatt. Likevel, selv om hun sier vanvittige ting om dødsdagen og kryper i fire, vil gutten fremdeles klare seg med jenta på toppen av hodeskaller og lårben hvis hun er villig.

Fellen er seksualitet og hvordan menn tvinger kvinner fra bekymringsløs moro i situasjoner som de helst ikke vil være i. Dette kan være en metaforfilm, eller det kan bare være en billig pris. Jeg tror det er begge deler. Rollins ’makabere humør og ketchup- og sennepsgensere gir dette litt av Scooby Doo vibe (hevende spalting til side). Gjennom i en nydelig poengsum, og du vil ønske at skrekk møtte søte dødsturer oftere.

Belladonna of Sadness (1973)

Bilde via Nippon Herald Eiga

I denne animerte psykedeliske popfantasien med djevelsk sensorisk overbelastning, angriper en ond føydalherre en landsbyjente på bryllupsnatten og fortsetter å ødelegge hennes og ektemannens liv. Etter at hun til slutt er forvist fra landsbyen sin, inngår jenta en pakt med djevelen for å få magisk evne og hevne seg mot alle. Belladonna of Sadness er lik skjønnhet og grotesk og var enormt innflytelsesrik for at de alternative japanske animasjonsfilmprodusentene, som Satashi Kon og Mamoru Oshii, skulle komme. Hva gjør Belladonna unikt, er at det tar noe som kunne ha vært et rett middelaldersk skrekkshow og skrubber mørket for å gi rom til å slappe av i ekstase, noe som gjør undertrykkelsesøyeblikkene mer skjærende og henter mye mer lettelse. Det er virkelig noe Djevelen fremkaller mer sympati enn dødelige menn, men det er fordi han i det minste forstår hennes ønsker og hennes ønske om hevn. Forståelse er noe menn ikke har råd til Belladonna of Sadness.

Det er vanskelig å beskrive denne orgien av overflødig uten å høres grov ut, så i stedet vil jeg bare bruke Acid Mother's Temple-sangtitler for å pakke inn denne uklarheten, siden psykedelisk akvarell og psykedelisk rock er det langstrømmende håret i denne fortellingen; pastellene står opp mot mørket som:

“Hei bra barn”

“Søt saftig Lucy”

“Tredje øye for hele verden”

“Interplanetarisk kjærlighet”

“Pink Lady Lemonade”

“Farvel, stort drittsekk”

Jepp, det oppsummerer det bedre enn “langt ute” kunne.

Blood for Dracula (1974)

Grev Dracula var alltid litt forfører, men Paul Morrissey (og produsent Andy Warhol ) ga oss en morsom impotent Dracula ( Udo Kier ) i Blod for Dracula . Denne Dracula-kroppen vokser utrolig svak fordi det etter århundrer med fôring på jomfruhals har blitt vanskeligere og vanskeligere å finne jomfruelige kvinner å drikke av. Hans assistent foreslår at de drar til Italia hvor familier fremdeles har troverdige katolske verdier, og dermed vil kvinnene være rene. Warhols sexgud Joe Dallesandro (alltid godteriet, aldri skuespilleren; han svinger med en tykk Brooklyn-aksent i Transylvania) har tatt på seg å ta jomfruen til hver kvinne på det italienske landskapet for å sulte Dracula ut. Blod for Dracula gir en annen betydning til en trepinne som gjennomborer hjertet av Dracula. Her dreper morgenved bokstavelig talt greven.

Selv om det er lett å le av en impotent forfører, er det viss tristhet i Kiers forestilling; med økte seksuelle friheter mister vi det klassiske samfunnet, og Kier’s Dracula er en fysisk fremstilling av den sakte døden. Dette er en mann som kunne leve evig så lenge han levde i en renhetstid. I århundrer var Dracula en trollmann av seksualitet, og menn måtte jakte på ham og fysisk pusse ham for å beskytte sine rene kvinner. Nå kan enhver mann med seks-pack abs skyve seg gjennom byen og svekke kreftene.

Celine og Julie Go Boating (1974)

Jacques Rivette ’S tre timers (pluss!) Art-house behemoth, Celine og Julie Go Boating er to ting for meg, det er den mest realistisk drømmeaktige filmen jeg noensinne har opplevd (inkludert den oppløsende oppbyggingen til den store finalen) og også den beste skildringen av klar drømmer (der drømmeren kan påvirke drømmen for å få et resultat de ønsker, fordi de er klar over at de drømmer).

Celine ( Juliet Berto ) og Julie ( Dominique Labourier ) er to kvinner som blir knyttet sammen i aksjon og identiteten deres smelter sammen. Hvis den ene leser en bok om magi, er den andre en magiker. Hvis den ene understreker bokstykker med rødt blekk, maler den andre rødt. Etter en serie med mange koblede gjenstander og handlinger, finner de unge kvinnene seg i et spøkelseslesbisk-drapsmysterium som spiller på løkke. Et hus med en sørgende far sitter fast i limbo der stedsdøtrene daglig gjentar et drap. Celine og Julie opplever dette i forgrunnen, og som vi gjør i drømmer når vi er klar over at vi ikke tar del i det vi ser, begynner vi å teste hvordan de blir lagt merke til eller hva de kan komme unna med i tilstedeværelsen av denne scenen.

Det som skjer er nysgjerrig, morsomt og herlig. Men hva hjelper Celine og Julie å opprettholde den drømmeaktige atmosfæren er at seeren glemmer så mye av det kodede oppsettet når de først er i huset. Akkurat som en drøm, sitter du bare igjen med fragmentene du henger på og prøver å forklare.

Score (1974)

Ja, dette er X-vurdert, plottet er ganske bart og det er en jente på jente-strap-on-scene og en mann på mann blowjob-scene, men jeg tør deg finne en film som er mer rolig med livsglede enn Radley Metzger ’S Resultat . Filmen handler om et svingende ektepar ( Claire Wilbur og Casey Donovan ) på jakt etter å forføre et frekt ektepar til en nattbytte av partnere av samme kjønn. Selv om du selv er frekk, er det mye å sette pris på i Metzgers filmskapende evner. Poengsummen er hoppende og levende. Forestillingene er solide. Og hans mis-en-scene komposisjon er åpenbarende. Metzger var en fantastisk regissør som ikke satt fast i soft-core, men heller visste at soft-core kunne være en kunstform. De fleste portretter som har hengt på museer i flere tiår var naken. Hvorfor skal ikke filmen presentere den kunstnerisk også? Sex og skam kan være innebygd i religion, men det skal ikke bygges inn i kunsten vår.

Resultat er ikke ment for en ti minutters spoling frem til 'de gode delene' fordi forførelse og samtaler faktisk er de beste delene. Det er en nydelig 90-minutters film som inneholder intelligente og vittige samtaler om sex. Noen av disse samtalene skjer mens to kvinner snakker mellom et lavalampeakvarium fordi filmsamtaler alltid skal være behagelige for øyet. Hva er veldig gøy med Resultat skjønt, er hvor inkluderende det er. Hver karakter jobber med å få den andre av, og alle har smil og poengsummen er en blast. Ikke la introsetningen skremme deg; denne filmen er ikke veldig eksplisitt. Hvis du kan takle å høre folk snakke mye om sex og ekteskap i en nydelig leilighet på 70-tallet i den italienske villaen, og så har noen få minutter med sex, er du virkelig i godbit. Du vil smile når du tenker på denne filmen. Du håper å møte noen som er så glade for å være i live som det undertrykte nye paret ( Lynn Lowry og Gerald Grant ) er når de forlater villaen for å konvertere noen andre til deres nye gratis måter å tenke på. Sex kan være morsomt. Jakten kan være morsom. Og Resultat er så mye jævla moro, det er ingenting du kan føle deg skyldig i å se på det.

Hard Times (1975)

Harde tider gir en ny-vestlig nyutdanning av den store depresjonen og boksefortellingen. Det er ingen jente å komme til slutt, det er ingen stor premie for å sette alt rett; det er bare ekstra skrap og respekt opptjent. Dette er kultdirektør Walter Hill ’S ( Krigerne ) første film og det er veldig forsikret. Han presenterer det som en klassisk høy fortelling om den fremmede utenfor rutebilen ( Charles Bronson ) som kan slå hver mann i en rettferdig kamp, ​​men han avslører sakte at det ikke er mye å vinne.

På dette tidspunktet hadde Bronson allerede blitt omarbeidet som en grindhouse-hevnestjerne, og det er en forventning om at denne filmen vil være lik, men Hill er mest interessert i forretningssiden av ulovlige kamper; hvordan tillit fornyes ved å tjene bokstavelig tilbakebetaling og ikke gjennom voldelig gjengjeldelse. I Bronson gir Hill 'Speed' (en flott, skummel James Coburn ), en promoter som vanligvis bruker sin liggende munn for å komme ut av debut, en ny metode for å hedre seg selv: å holde seg til ordet sitt gjennom utakknemlig arbeid.